Моно-искусство в Омске. Подводим первые итоги необычного проекта  

Одна неделя. Один объект. Один автор. Омская Арт-резиденция запустила новый проект — «Моно». И мы решил подвести итоги первого месяца. Весь май омичам представляли работы местных деятелей искусства. Каждую неделю выставочный зал жил одним произведением. Почему организаторы выбрали такую необычную концепцию? Кто успел принять участие в творческом эксперименте? И что ждёт зрителей дальше?

«Моно» — это не галерея в привычном смысле, а проект с особым фокусом внимания, говорят авторы идеи. В понедельник — монтаж экспоната. Во вторник — открытие. А в следующий понедельник — снова монтаж, но уже другого объекта другого автора. И не всегда речь о полотнах и масле, тут — многообразие.

«Как это работает? Каждая неделя — отдельная сессия “Моно”. У сессии есть имя автора и ровно один экспонат. Почему “Моно”? Потому что, когда перед тобой только одна вещь, ты наконец перестаёшь скользить глазами. Ты остаёшься с ней наедине. А через неё — с человеком, который её создал. Только вы, объект и его автор, говорящий без слов», — объясняет философию проекта руководитель Омской Арт-резиденции Валерий Лущиков.

Ради одной работы организаторы полностью меняют выставочное пространство. Такой формат прост и понятен зрителю, уверен наш собеседник. За обновлениями можно следить на официальном сайте Арт-резиденции и в социальных сетях.

Авторы получают демонстрацию, обратную связь, возможность самовыражения, шанс заявить о себе. 

«Для художника — это вызов и сила. Получить всё внимание только под свою ключевую работу на целую неделю. Это сольное высказывание. Мы создаём условия для диалога вашего объекта и вдумчивого зрителя».

А что получает зритель? Во-первых, уникальность — один экспонат в таком формате вы больше не увидите, заявляют организаторы. Во-вторых, интимность — самый близкий, личный разговор, тет-а-тет с искусством. В-третьих, культурная привычка — за месяц можно открыть для себя четырёх новых художников. И, в-четвёртых, конечно — насмотренность, новый визуальный опыт. В год, когда Омск признан культурной столицей, проект «Моно» действительно нужен и вписывается в общую концепцию.

Сессия 1. 5-11 мая. «Омский дневник» Шуры Тумашовой (МАРКСА/MARXXXA)

Стартовал проект с серии иллюстраций, со страниц дневника Шуры Тумашовой. В нём — все стадии принятия Омска в себе и себя в Омске. Очень личный диалог, это арт-терапия художника. Открытие экспоната сопровождалось лекцией от автора про концепцию в костюме.

Расскажем о главной героине. Шура Тумашова — российский модельер, художник по костюмам рейтинговых шоу Первого канала, выпускница Омской школы дизайна 1997 года. В 1999-м переехала в Москву, работала костюмером. В начале нулевых познакомилась с российским фигуристом Ильёй Авербухом, начала создавать изделия для ледовых телешоу. 

Позже омичка стала дизайнером известной торговой марки, работала на вручении премий «Золотой грамофон», на церемониях «Премия Муз-ТВ», «Евровидение». В 2011 году принимала участие в масштабном праздновании 20-летия независимости Республики Казахстан, создав для шоу около 2000 костюмов. Последние десять лет позиционирует себя как художник-иллюстратор. Продолжает сотрудничать с театрами, кино и масштабными шоу.

«С началом пандемии закончилась моя чрезмерно насыщенная карьера художника по костюмам и я приземлилась в родном городе. Это оказалось нелегко, осесть в городе, с которым ты уже простилась 20 лет назад и отпустила. Необходимо было заново открыть для себя Омск и дневник стал моим инструментом», — вспоминает Шура Тумашова.

«Омский дневник» художник вела полгода, потом нашла свой ресурс — близкие и друзья, которые по-прежнему находились в Сибири. Так автор убедилась: неважно, где ты, важно — с кем.

Сессия 2. 12-18 мая. «Грубое белое» Анны Ткаченко

Автор второго экспоната — дизайнер, победитель и обладатель гран-при «Сибирской этники-2025». Анна Ткаченко является студенткой Омской школы дизайна костюма. Представляла работы на местных конкурсах, а также в Новосибирске, Екатеринбурге, Тюмени и Ставрополе.

Зрителям представили костюм — связанные воедино остатки памяти. Белый цвет здесь — не нежность, а грубая честная фактура. Комбинезон из остатков белой пряжи, бабушкины клубочки. Анна вязала везде: дома, в кафе, в самолётах. Плащ из грубого льна. А ещё сумка из расшитого полотенца с барахолки. Девушка намеренно сохранила остатки вышивки.

В изделиях скрыта глубокая метафора о порядке и хаосе: маленькие клочки становятся единым целым. Так, через старые полотенца и бабушкины свитера, автор сохраняет память.

«В мире много прекрасного, главное — замечать. Пока этот костюм ездил только по выставкам и конкурсам. Но уже в процессе создания на него положили глаз мои сёстры. А началось всё с бабушки. Её забота и тепло выражались в вязании для всей семьи, из остатков пряжи она передала мне много маленьких клубочков», — делится Анна Ткаченко.

Заниматься творчеством наша героиня второй сессии начала с детства: рисовала, мастерила, шила и вязала. Пошла в художественную школу и твёрдо решила идти нога в ногу с искусством, по примеру старшей сестры. Источник вдохновения — окружающий мир.

Сессия 3. 19-25 мая. «Оригами» Михаила Пешкина

Впервые в «Моно» автор-мужчина. Серию работ представил художник, скульптор, член Союза художников России, известный омский косторез Михаил Пешкин. Он участник и призёр городских, областных, зональных, межрегиональных, всероссийских и международных выставок. С 2006 года занимается художественной обработкой кости. «Оригами» стала визитной карточкой автора в профессиональном сообществе.

Быстротечное детство герой воплотил в долговечном материале. Это символ скорости времени, необычные текстуры и фактуры, словно глаз зрителя обманывают.

«В работе над сторонним проектом, ночью пришло чувство, эмоция, а впоследствии и идея образа будущей серии. Помню, когда работа была представлена впервые, ко мне подошёл коллега-художник. Он был в недоумении: не мог поверить, что это сделано из кости, и возмущался, как такая “ерунда” могла попасть на выставку. Именно эта реакция стала для меня высшей похвалой», — вспоминает Михаил Пешкин.

С самого юного возраста автор что-то лепил, рисовал, а в «художке» вместо вышивки предпочёл резьбу по дереву. Тогда получил приглашение вступить в студию косторезного мастерства.

Сессия 4. 26 мая — 1 июня. «ҮРҮҤ КӨМҮС» («Серебро») Анны Михайловой

Название объекта в переводе с якутского языка означает «серебро». Зрители увидели корсет и шлем. Но это не просто комплект, это отражение детских впечатлений.

Анна Михайлова — выпускница Омской школы дизайна костюма, цифровой художник и руководитель рекламного агентства. В этом образе девушка переосмысляет традиционный якутский металл через язык 3D-печати и хромирования. Цифровое становится материальным, а этника превращается в футуризм.

«На этом комплекте я научилась не бояться ошибок. Их было много, начиная с этапа разработки, заканчивая постобработкой, но я всё довела до ума», — признаётся Анна.

В цифровом искусстве она исследует, как виртуальные объекты могут быть осязаемы через технологии и ручной труд. Во время учёбы в вузе художник создавала коллекции одежды, стилизовала фэшн-съёмки,увлекалась фото и видео.

«Я росла на острове, где вокруг на километры никого — только река Лена, горы, лес и животные. Мы жили в мире, где вещи не покупали, а создавали руками. Эта связь с рукотворной культурой осталась во мне на всю жизнь».

Над «Серебром» Анна работала несколько месяцев. В таком творчестве много нюансов: два прототипа, усадка материала при хромировании, ломка тонких деталей при шлифовке. 

Самая трогательная деталь — ушки на шлеме. При моделировании девушка не думала об этом, но в итоге поняла: ушки повторяют силуэт шапок, которые дети носили в Якутии. Подвески у висков — отсылка к традиционному украшению, якутянки носят тяжёлые серебряные подвески, спадающие вдоль лица. Руки автора будто сами по себе воспроизводят традиции, природу, форму, холод родной земли.

Сессия 5. 2-8 июня. «Флора» Натальи Буруцкой

Первый месяц лета стартовал с брошей. Однако эти цветы не боятся воды, а идея ждала своего воплощения десять лет. Наталья Буруцкая — автор украшений из эпоксидной смолы, финалист дизайнерских конкурсов, постоянный участник масштабных выставок, член Омского отделения Союза дизайнеров России, завлабораторией кафедры дизайна ОмГТУ.

О создании бумажных брошей Наталья задумалась ещё в студенчестве, но тогда оставила эту идею. Годы экспериментов всё-таки позволили найти идеальную технику, чтобы сохранить цвет и текстуру бумаги, но при этом защитить поверхность от воды и повреждений.

«Серия о том, что фантазии нет предела. О том, как идея обретает форму и воплощается в нетипичном материале», — рассказывает Наталья.

«Флора» — это бумага, эпоксидная смола, акрил и ручная графика. Каждый лепесток, каждый узор уникальны.

Сессия 6. 9-15 июня. «Поехали!» Дианы Горшениной

Сейчас идёт шестая серия «Моно». И пока мы будем раскрывать все секреты экспоната недели. Увидеть всё своими глазами можно в выставочном пространстве Арт-резиденции на Красногвардейской, 9. Вам нужен третий этаж, розовая витрина. Проект открыт для посещения со вторника по субботу с 10:00 до 18:00, бесплатно. При себе необходим документ, удостоверяющий личность.

Текст: Диана Масюта

Фото предоставлены Омской Арт-резиденций